Hacia finales del año 1993, se presentaría un punto de inflexión, estableciendo un “antes” y un “después” en la historia de la banda. Por una parte, la banda gozaba de una enorme popularidad a nivel mundial gracias al álbum “Dirt” que los catapultó a gozar del status de “SuperEstrellas” y les valió un tour mundial, así como llegar a ser cabezas de cartel de la segunda versión del festival alternativo Lollapalooza. En Septiembre de ese mismo año, graban el EP “Jar of Flies” que sería lanzado en Enero de 1994 y que se convertiría en un éxito sin precedentes, a pesar de contener sólo 7 canciones en formato acústico. A primera vista, todo parecía marchar sobre ruedas para Alice. Sin embargo, las tensiones y fricciones al interior de la banda estaban en su punto más alto…
Así fue cómo en 1994 tuvieron que declinar la oferta para ser parte de un tour con Metallica (leer acerca de este episodio en mayor profundidad a través del siguiente enlace: http://www.bleedforaliceinchains.com/#!unplugged/cs2q ). Este episodio los perseguiría a lo largo de su carrera ya que para la prensa y la opinión pública, declinar ser parte de un tour con la banda de heavy metal más grande del planeta por ese entonces, sólo era una señal de que algo muy malo ocurría al interior de la banda. Por aquél entonces se habló que Alice in Chains se encontraban separados y la verdad es que las especulaciones puede que tengan mucha razón, Layne Staley al respecto: "Nos estábamos ahogando entre nosotros, dependiendo el uno del otro demasiado. Era el tipo de situación en que alguien dice: "bueno, si la cagas, me estás cagando a mí." Podríamos haber hecho esa gira con Metallica, pero creo que en el fondo nadie quería. Les dije: "La haré. No soy ningún marica!" pero en realidad no quería en lo absoluto. Yo quería hacer otras cosas. “
Alice in Chains
(tripod)
El tercer larga-duración de la banda constituye la respuesta a todas los pronósticos sobre la “salud” de la banda y su supuesto quiebre a raíz de tensiones internas. Mientras los fans y por sobre todo, la prensa, especulaba sobre el real estado de Layne Staley, la banda se esmeraba en producir un álbum único, variado en estilos y tonalidades, con un sonido deliberadamente más sucio, orgánico y primitivo a través de canciones de gran factura, que intentaban reafirmar, y si se quiere, convencer el sentido de unidad que parecía haberse perdido en 1993.
A pesar que Cantrell se encargaba una y otra vez de recalcar que la banda se encontraba solamente en un receso temporal, las señales estaban ahí; no existían fechas agendadas para un tour, Layne hacía un nuevo intento por entrar a rehabilitación, los demás miembros de la banda se encontraban todos haciendo distintas colaboraciones y no existían indicios de un nuevo álbum…y todo esto en el momento peak de su carrera.
Lo más llamativo de todo sin lugar a dudas, fue el álbum que grabó Layne Staley con Mad Season, y que supuso la necesidad del cantante de estar en compañía de otros músicos. Más aún si pensamos que Staley tenía disposición para aparecer en vivo con Mad Season y no así con su banda principal, Alice in Chains.
Al mismo tiempo que Layne grababa con Mad Season, Jerry grababa algunas canciones que tenía en mente en primera instancia, para lanzarlas como parte de su primer álbum en solitario, pero que luego se transformarían en los cimientos del nuevo álbum de Alice in Chains, Jerry Cantrell al respecto: “La razón por la que estaba escribiendo por mi cuenta era sólo porque no hecho nada que no fuera para Alice In Chains desde el inicio de esta banda. Quería ver si podía llegara a hacer algo que sonara diferente. Quería estar por mi cuenta, sin tener la banda para darme retroalimentación. Hicimos algunos riffs juntos y tenía una decisión mental en mi cabeza y era que esta música debería ser para Alice In Chains. Había tocado con un montón de otros bateristas, incluyendo Josh [Snider], un amigo mío que toca para Tad, y otro chico, [Norman Scott] que toca para Gruntruck. Era aún sólo un trabajo en progreso ".
Fue entonces que Cantrell pensó que sería una mejor idea tratar de recomponer la banda y para eso contactó a Sean Kinney y Mike Inez, quienes comenzaron inmediatamente a jammear junto al guitarrista y dar forma a las ideas que Cantrell había ya esbozado por cuenta propia. De acuerdo a Cantrell: "Entonces llamé a Mike y Sean Kinney, y terminó siendo Alice In Chains. Comenzamos a escribir en enero y trabajamos de hasta alrededor de Marzo. Entre Enero y Marzo nos la pasamos compilando riffs. Sean, yo y Mike. Y durante ese tiempo Layne estaba trabajando en el disco de Mad Season con Mike McCready que estaba llegando a su fin alrededor de marzo. "Trabajamos desde Enero a casi Abril juntos. Luego, en Marzo y Abril fui a un estudio para grabar algunas ideas de canciones por mi cuenta, sólo para mi propio beneficio, y para poner algo en marcha, para encender una chispa. "
La esperanza entonces estaba puesta en que el cantante Layne Staley una vez que finalizara su compromiso con Mad Season pudiera retomar las riendas de la banda y una vez asentado en la rutina de trabajo reenfocarse en los éxitosos años que precedieron al quiebre y dejar de lado su aproblemada existencia.
Al parecer el tiempo fuera de la carretera y su aventura en Mad Season, habían devuelto las ganas a Layne de aventurarse una vez más en Alice in Chains y esto se lo confirma a Tom Phalen quien lo entrevista en medio de su recorrido por Mad Season, Layne Staley: "Estoy haciendo uno más con Alice," y entonces podríamos salir a tocar en vivo. Pero sólo un poco. No una gran gira. Odio hacer giras." Es así como Layne se integra a la banda nuevamente, cuando las esperanzas estaban casi perdidas y el quiebre parecía definitivo. Alice estaba de vuelta una vez más para un nuevo álbum, aún cuando Layne parecía no tener ninguna intención de girar a priori…
Con todo, Alice in Chains continuaría con las sesiones de grabación que un álbum que a pesar del complejo momento por el que pasaban sus integrantes los llevaría a mantener su posición privilegiada como la banda más heavy y oscura que alguna vez salió de Seattle. Las sesiones dieron lugar a un total aproximado de 30 canciones, de las cuales vieron la luz 12. Algunos leftovers fueron a parar al primer disco de Cantrell de 1998, llamado Boggy Depot y de los demás no se sabe con certeza. El álbum fue terminado en Agosto de 1995, pero no fue hasta el 7 de Noviembre de ese mismo año en que pudo ver la luz.
Si hiciera el ejercicio de cerrar los ojos y visualizar al mismo diablo tocando una guitarra, creo que sería el sonido que obtiene Cantrell luego que termina de cantar cada estrofa. La primera línea de las letras expresa el desahogo de Cantrell contra los los medios, que aseguraban la extinción de la banda (In the darkest hole / you'd be well advised / not to plan my funeral / before the body dies). Jerry Cantrell al respecto: "Esa línea me hace reír mucho. Está más o menos todo dicho allí. La gente ha estado diciendo que estamos acabados desde Dirt. Y la gente dirá ahora que este es nuestro último disco y que nunca haremos una gira nuevamente. Continúa y piensa eso. Somos el tipo de banda que siempre ha sido capaz de hacer lo contrario de lo que esperarías. Es nuestra capacidad para volver a través de toda la controversia ". El solo de Cantrell en el climax de la canción es realmente notable, aún cuando Jerry no lo “sentía” en un principio. Cantrell: "Y el solo en" Grind ", que salió de mi ADAT en mi habitación trasera de la cinta demo que hice para el álbum. Funciona bien. Esa fue la primera toma que hice cuando grabé la canción. No pensaba que fuera lo suficientemente fuerte y nunca llegué a arreglarlo. Toby [Wright, quien produjo Alice in Chains] seguía tratando de vendermelo. Yo le decía que quería hacerlo mejor, ya que simplemente no parecía funcionar para mí. Y al final, es perfecto para el disco. Me tomó mucho tiempo para sentirme cómodo con él ". Una grandiosa canción, con riffs pesados y ritmicos, con sonoridades más variadas y exploratorias tanto en voces como en instrumentos hacen de Grind un comienzo único. Pone los pelos de punta!
Una guitarra con un halo de misterio inicia los fuegos de “Brush Away”. La guitarra de Cantrell se duplica haciendo la melodía y riffs que sostienen la canción, asi como una guitarra en el background del coro que hace de la melodía de la canción, una especie de trance chamánico, es una canción que vá y vuelve y hace la sensación de un barco en medio de una tormenta, yendo hacia un lado y volviendo a los pocos segundos. El solo de Cantrell es realmente magnífico en su tonalidad semi-distorsionada con un sonido que llega a asustar en ciertas partes. Cantrell respecto al solo al revés de Brush Away: "La primera vez que no sabía qué mierda estaba haciendo, la segunda como que lo agarraba, y la tercera vez todavía tenía ese feedback en la perilla del volumen cuando empecé. Ni siquiera sé lo que hice. [Risas] No podría haberlo pensado. No pienso en una forma técnica en lo absoluto - sólo toco, sabes? No soy un patán - Puedo sentarme y comprobar que funciona, pero tengo ningún interés en ello. Sé cómo tocar lo suficientemente bien - eso es todo lo que necesito " Las letras hablan de la intolerancia de Layne a las presiones de estar en una banda de las ligas mayores, asi como de alguna forma muestra su disconformidad a la forma de trabajo al interior de Alice (I could use some time to curl away/ My aggression is where you stake your claim /Why I question this curve on which you grade /My conception, a joke or latest craze?/ My intention, may I arrive at eight? / Lie and dream some, surprise you guys I'm late / All right, correction, forgetting something, wait / I try to get away, and yet I stick around / So fall and crawl away, and brush away loose ground) Una gran canción que ha sido subvalorada de alguna forma.
“Heaven Beside You” es una electro-acústica con un toque de blues muy en la corriente de SAP. Algunas guitarras eléctricas disonantes se pueden escuchar al principio de cada estrofa para luego dar paso a la acústica y al bajo de Inez que es el instrumento que sostendrá la canción en todo su desarrollo. Una vez máz nos encontramos frente a Cantrell haciendo de cantante solista en toda la canción y a Staley haciendo un pequeño aporte en el coro para llegar a los tonos altos que le dificultan a Cantrell. Las letras hablan de aquel lugar en donde nos situamos cuando recordamos la partida de aquel gran amor de tu vida ( Like the coldest winter chill / Heaven beside you... Hell within / Like the coldest winter chill / Heaven beside you... Hell within / Like the coldest winter will / Heaven beside you... Hell within /And you think you have it still, heaven inside you) Se siente la carga emocional de Cantrell que lo persigue día a día, album a album. Cantrell al respecto: "Esa canción es acerca de mí. Está dirigida directamente hacia mi ex-novia. Estuve saliendo con ella por cerca de seis años en intervalos. Todo se trató de mí intentando ser una persona monógama, la cual nunca había sido. Llegaba un punto en el que me sentía ahogado y estallaba y la cagaba, y eso sería todo. Tuve que parar. Así que la canción es acerca de patearme a mi mismo por ser tan idiota con ella. Yo la quiero a muerte y siempre lo haré, pero simplemente no es saludable estar juntos. "
Para algunos, incluido Jerry Cantrell, Tripod es el mejor álbum de la banda a la fecha. Eso dependerá de cada oyente. Yo creo en lo personal que es un álbum grandioso y único. Hay carencias en la voz de Layne, que se escucha mucho más monocorde y plana que en sus anteriores esfuerzos. Es más difícil escuchar gritos de Layne aquí que en Dirt. Sin embargo, de algún modo, esa forma de cantar lo hace un álbum distinto y un fiel reflejo de lo que ocurría al interior de la banda en esos días. Lo mismo el sonido. No es un sonido que agrade de buenas a primeras, por lo sucio, tosco y mal elaborado en su producción (deliberadamente por cierto). Pero también, le imprimen un carácter especial, distinto y característico. Hay dolor y desolación en cada una de las canciones, de una forma distinta a lo que ocurría en Dirt. En Tripod esta desolación está asociada a lo “ya perdido” a lo “que no volverá” y quizás al arrepentimiento y a la vez a la aceptación del ahora. Y muy probablemente, y quizás lo más perturbador de todo, es que en Tripod reside una especie de vaticinio de lo que estaba por venir y la desesperanza que nada de lo que se hiciera, podría cambiar este destino.
Por: Schulz
Y es totalmente distinguible este nuevo sonido, menos expansivo que Dirt, y muchísimo menos exquisito que Jar of Flies. De alguna manera logra el efecto que los integrantes de la banda querían que era lograr un álbum más directo. Sean Kinney: "Realmente simplificamos el sonido esta vez. No hay compresión o efectos en nada. Utilicé el kit de batería 808, y eso es todo. Es un disco que suena muy limpio ".
El proceso de grabación fue bastante largo a pesar que algunas ideas ya habían sido trabajadas con anterioridad. Algo parecía ir no del todo bien y a pesar que en todas las entrevistas promocionales del álbum, Cantrell habla de de un Layne altamente involucrado con el proceso creativo y de grabación, incluso más que en Dirt, según él. Sin embargo, el tormento de la enfermedad del cantante parecía ser un un fantasma incansable que no lo dejaba en paz, Susan Silver al respecto: "Realmente doloroso llegar a realizarlo. Tomó ocho o nueve meses - horas y horas de esperar a Layne que saliera del baño. Días de esperarlo a que apareciera en el estudio. Y a través de todos estos últimos años, él y yo estuvimos muy cercanos. Yo le decía: "No tienes que hacer esto. Tienes el dinero suficiente para ir y tener una vida tranquila si eso es lo que quieres, "con su novia de toda la vida, Demri. "Sólo anda y haz lo que te hace feliz - no hagas esto si esto si vá a perpetuar tu adicción." Yo no entendía que no era la música lo que le hacía tomar drogas, él tenía una enfermedad, y se fue poniendo cada vez peor. Pero siempre le decía, "¿Qué quieres hacer? Podemos parar. "" No quiero parar ", decía. "Quiero seguir adelante" - en términos de música, no estoy hablando de drogas. Quería seguir creando y grabando. Fué una sesión muy dolorosa porque nos llevó mucho tiempo. Fue tan horrible verlo en esa condición. Sin embargo, cuando estaba consciente, era el chico más dulce, con los ojos más brillantes que hayas conocido. Estar en una reunión con él, y que él se durmiera frente a ti era desgarrador. A medida que la línea de tiempo aparecía –paramos. Nos detuvimos muchas veces para decir: "Esto no va a funcionar. No podemos seguir haciendo esto, aunque él diga que quiere. Está desgarrando a todo el mundo en pedazos ".
El álbum parte con “Grind” e inmediatamente podemos notar la diferencia con las grabaciones anteriores de AIC. El sonido es efectivamente más sucio lo que funciona bastante bien en las guitarras, no así en el sonido de batería, que a mi juicio se escucha bastante débil. Los riffs iniciales son potentes y están acompañados por el bajo de Inez, estableciendo inmediatamente la progresión que tendrá la canción. El estilo de tocar de Sean Kinney siempre será un punto importante en cualquiera de las canciones de Alice in Chains, en este caso una vez más su forma de tocar incrementa el poder de esta canción de tono oscuro al hacerla más pesada aún con cada golpe. Llama la atención además que la canción tiene a Cantrell haciendo de lead vocals y Layne solo haciendo los acompañamientos en el coro.Aunque sin duda, lo que más llama la atención y lo más destacable de esta canción es la primera guitarra de Cantrell que de cuando en cuando aparece con su carateristica sonoridad, pero esta vez la melodía es francamente demoníaca.
“So Close” es una canción bastante extraña para el catálogo de Alice in Chains. La batería sostiene la canción a través de un tempo más asociado con el punk que con el hard rock. La guitarra de Cantrell es realmente corrosiva agregándole un toque aún mas punk a la canción. Liricamente trata acerca de la frustración de Layne de estar en el sitio en el que está y que ha ganado merecidamente con su banda, pero que no le agrada del todo ("I'm serious, there's big money going on" "Big big money!" / Why are here again? / It's the same old sit down roll around chewed up pen / Nothin thrilling me too much, yeah / So close now/ Why?)
“Nothin´song” se trata como su título lo indica, acerca de nada en particular, más que el aburrimiento de una grabación que no le agradaba del todo a Staley así como de cosas triviales que al parecer solo sirvieron para crear esta letra (Began this take at 7:38 / Head hit the board, enough that it aches / Wonder should I be working so late / Began this take at 7:38 / Head hit the board, enough that it aches /Wonder should I be working so late). Layne Staley nos cuenta más acerca de ésta canción: "Tengo las cosas hechas, ¿no? Llegaba cinco horas tarde al ensayo de la banda sin letras, y ellos me gritaban y yo me iba. Pero volvía y lo hacía todo a altas horas de la noche. Al final, todas las canciones se terminaron. “ Es una canción correcta con una guitarra expansiva y cíclica, no es de las más destacables pero tampoco es una mala canción.
Una vez que el regreso de Layne era ya un hecho consumado y habiendo trabajado desde Enero a Marzo en las ideas de Cantrell, la banda decide agendar 3 meses en los estudios Bad Animals, propiedad de las hermanas Nancy y Ann Wilson de la banda Heart para comenzar las grabaciones de Tripod. Este hecho también constituye una señal por decir lo menos, extraña, pensando en que las anteriores grabaciones de la banda habían tomado mucho menos tiempo y considerando que entre Jerry, Sean y Mike ya habían estado dando forma a las canciones que completaría
El productor elegido fue un conocido de de la banda y que había producido el exitoso EP “Jar of Flies”, Sean Kinney al respecto: "Toby tiene muy buenos oídos. De cualquier modo producimos todos nuestros discos nosotros mismos. Nunca un productor llega y hace arreglos a una canción. Toby es realmente bueno trabajando en la mesa y simplemente nos deja concentrarnos en la música ".
La banda tenía la idea de alejarse un poco del sonido que habían mostrado en sus anteriores álbumes y mostrar algo más crudo y orgánico, que pudiera emular de alguna forma el sonido de las bandas de rock clásico. Jerry Cantrell al respecto: "Usamos un montón de antigüedades, algunos viejos amplificadores Fender , Marshalls , Soldanos. Soy una persona intensa, y cuando me meto en algo, voy de lleno en esto, pero por alguna razón nunca me meti a coleccionar guitarras o equipos, así que siempre tengo que pedir prestado cosas. [risas] Usé algunas guitarras geniales de Nancy Wilson, ella siempre está prestándome mierda. Tiene tiene un a tonelada de grandes cosas. Grabé con una de sus Les Paul Juniors y algunas de sus acústicas. Luego conseguimos una caja de efectos antiguos de [guitarrista de Heart] Howard Leese, quien nos envió un montón de cosas. Están también estos muchachos de Tacoma que tiene un lugar llamado Guitarmaniacs, que tiene un montón de cosas. Tenían una Les Paul del 52 y ua vieja strat de principios de los años 60 que he utilizado antes en un par de grabaciones, pero que nunca me las venderían. Ellos dicen algo como, 'Estas son nuestras guitarras personales', y yo seguía, 'Vamos hombre, vendemelas. ¡Por favor! "Ellos finalmente cedieron después de todos estos años y me vendieron ambas ".
Tal como su nombre lo indica “Sludge Factory” es una canción fangosa, lenta y potente al principio que muestra unos escalofriantes gritos-lamentos de Staley. Nunca olvidaré la primera vez que escuché la voz de Layne al inicio de esta canción. Si no te pone la piel de gallina es porque simplemente no tienes alma y eres lo más cercano a un robot. El riff de Cantrell al inicio es extremadamente potente y es en esta canción donde cobra vida LA ESENCIA de Alice in Chains; no es necesario ser veloz a la Slayer ni ser un guitarrista que vuela a través del mástil para obtener la canción más pesada. Solo hacen falta 4 artistas con un sentido de la miseria profundo y que este sentido pueda ser llevado a notas musicales. El coro de “Sludge” tiene una progresión psicodélica y fúnebre a la vez, con la guitarra de Cantrell fluyendo por diferentes paisajes musicales y apoyando a Staley en la representación de la locura. Las letras de Staley tienen de todo un poco; por un lado se muestra irónico frente a las presiones de la Industria musical en las siguientes letras (Call me up congratulations ain't the real why / There's no pressure besides brilliance let's say by day 9 / Endless corporate ignorance lets me control time / By the way…) Toby Wright, productor de Tripod nos cuenta un poco acerca del origen de esta letra: "Una de las cosas que sucedieron cuando estábamos grabando fué que el disco de Mad Season se convirtió en disco de oro. Así que a las 6 de la mañana todavía estábamos en el estudio con Layne, y los ejecutivos de Sony, Donnie Ienner y Michele Anthony, lo llamaron y lo felicitaron. Y al final de la conversación, dijeron: "Oh, sí, por cierto, tienes nueve días para dejar hecho al disco."
Así que lo llaman para felicitarlo y luego lo amenazan. (Risas.) Asi que escribió eso en las letras.
Es la segunda estrofa: Llamarme para felicitarme no es la verdadera razón a / No hay presión al lado de la brillantez digamos por el día nueve /la interminable ignorancia corporativa me permite controlar el tiempo / Por cierto, dicho sea de paso ..." Creo que el proceso de grabación fue otro mes o dos después de eso ".
Por otro lado lado, Layne pareciera hablarle a Demri Parrott, su ex-novia que tenía la misma enfermedad de él y que parecía estar siempre viviendo al límite (Now the body of one soul I adore wants to die / You have always told me you'd not live past 25 / I say stay long enough to repay all who cause strife). Una canción que con facilidad puede considerarse dentro de las mejores del álbum. Clásico!
“Head Creeps” es la única canción en este álbum en dónde letra y música corren completamente por cuenta de Layne Staley. Es una canción INMENSA. Es sucia, oscura y dramática. Y aún así es una canción tremendamente infravalorada dentro del catalogo de Alice. Los riffs creados por Layne son tremendamente potentes. Cantrell hace un sonido con su guitarra que le imprime un toque aún más dramático a los riffs iniciales. La batería de Sean Kinney es ondulante y sin descanso lo que convierte a la canción en una bomba sónica. Layne pareciera al principio cantar con una especie de megáfono, lo que le brinda el toque de locura necesario a lo que quiere expresar, que no es nada más que la desesperanza que por esos días sentía. Esa desesperanza , angustia y rabia la manifiesta hacia todos quienes se atrevieron a juzgarle, escribir acerca de el y su enfermedad, en particular a los periodistas (So let me be defamed / Your redundancy stains / Tired of infantile claims / Like puppets on a string / Untangle you from me / Time to call the doggies off / Tired of the shadowin' /Slide me to the side again /Slapped in the face again).
Layne de alguna forma siente que no hay esperanza para él, sabe que todos los esfuerzos por rehabilitarse fueron vanos, y lo expresa en la siguiente letra (One day my plane leaves /Some way my head creeps / Some day my way leads / Some way my head creeps) Una canción terrible y maravillosa al mismo tiempo.
Un sonido repetitivo y cíclico comienza a envolvernos como haciéndonos parte del sonido industrial de una fábrica, que no está dedicada a hacer productos, sino recrear el sonido de los asilos y los abismos mentales. El sonido de del riff de “Again” es metálico y contrasta con lo seco de los golpes de batería. La letra de la canción podría tener muchas interpretaciones, por ejemplo una mala relación entre Jerry y Layne durante el proceso de grabación (que años más tarde sabríamos que fue realmente difícil) De alguna forma Layne podría decirse que expresa sus sentimientos hacia la forma autoritaria de Cantrell (Hey, I know I made the same mistake, yeah / I, I won't do it again, no / Why, Why you slap me in the face, oww / I, I didn't say it was OK, no / No, No...) . Por otro lado pareciera haber una estrofa dedicada a él y Demri, hecha en tercera persona y que pareciera ser el demonio de la heroína el que le habla a Layne de la afección cardíaca de Demri (Hey, you had time to think it out, yeah / Hey, Your weak will won't help her heal her heart / Hey, I'll bet it really eats you up) Finalmente el ya tan conocido “dooh dooht” pareciera ser el sonido del demonio travieso, burlándose del sufrimiento del protagonista y regocijándose de saber que en poco tiempo más habría ganado la partida.
Ahora llega una canción larga, oscura, tenebrosa y siniestra. Se trata de “Frogs” . El acorde principal es lento con una melodía oscura que se encuentra realzado con la profundidad y el enfásis del bajo de Inez. Kinney hace un trabajo de una sutileza sin igual, transformando a su batería en un instrumento protagonista más que un acompañamiento que define los tiempos. Las letras hablan acerca de la decepción y desolación que siente Layne, al darse cuenta de la realidad más allá del éxito. Ya no están los amigos que solías tener, solo quedan los que se quieren aprovechar y exprimir hasta la última gota. Es una canción que habla de la depresión, los sentimientos y la vulnerabilidad del ser humano decepcionado a causa de su propia ingenuidad (What does friend mean to you? / A word so wrongfully abused / Are you like me, confused / All included but you / Alone.../ The sounds of silence often soothe Shapes and colors shift with mood / Pupils widen and change their hue/ Rapid brown avoid clear blue/ Why's it have to be this way?)
Hacia el final el final se hace muchísimo más siniestro cuando Layne comienza a hablar con una especie de megáfono (7 am on a Tuesday, in August .../ Next week I'll turn 28.../ I'm still young, it'll be me... Off the wall I scrape... you.../ I gotta wake... Show me Your Irate/ To cause this wake, Its my fate /They.....They...Never going to fuck / with me again... My own clean slate... Don't fuck with me again... / I just want to go straight / through you.... /makes your eyes dilate.../ makes you shake.../Irate ) Pareciera que Layne hablara en un estado que no es el de una persona normal…como si estuviera desvaneciéndose en su sofá a causa de algun tipo de sustancia que ha probado…Hay una especie de inconexión en sus frases, pero también hay rabia, resentimiento. De alguna forma la imagen mental que nos llega es el de una persona a punto de cerrar sus ojos y caer en un sueño profundo que no permitirá el descanso del alma. Es quizás la obra maestra del album. Magnífica”
El album cierra con “Over Now”. Otra vez nos encontramos frente a un hibrido electro-acustico con Jerry Cantrell haciendo lead vocals. Layne una vez más se hace presente solamente en el coro. Sonoramente podría asociarse más al trabajo realizado en SAP o Jar of Flies. Las letras son bastante fuertes si bien, y hablan del quiebre de la banda en 1994 y como cada uno de los involucrados en Alice in Chains debe aceptar lo que ha provocado (Could you stand right here / Look me straight in the eye, and say / that it's over now?/ We pay our debt sometime) Jerry Cantrell al respecto: “Es acerca de la banda. Se trata del quiebre que hubo entre nosotros. Esas líneas "¿Puedes pararte justo aquí y mirarme a a los ojos y decirme que se acabó?" No podíamos, cuando realmente ocurrió. Incluso si se terminara hoy, si bien, amo a los chicos de esta banda, aunque nunca grabáramos nada de nuevo. Estaría triste, pero si todo llegara a un punto en que nos está matando y nos estamos alejando demasiado ... Es como esa línea "Cuando todo está desgastado, prefiero ir sin eso." Una canción un poco distinta para el resto de las canciones de este álbum, pero que se fortalece como un gran cierre por sus letras.
Otra canción muy subvalorada es “Shame in You”. En esta balada destacan las diferentes guitarras de Cantrell (3 al menos) para lograr la textura requerida y el sonido por capas que había estado ausente en éste álbum. La canción tiene un tinte nostálgico y dulce, que calzan perfecto con emotivas letras acerca de reflexión y reproche, en una relación enferma, que aunque ya ha concluido, persigue a Layne en los días posteriores (When I'm layin'/ I'm still trying / concentrating on dyin', yeah). La relación entre ambos era destructiva y la responsabilidad por esta terrible enfermedad era compartida por lo que era necesario terminar con esta (You're right as rain, but you're all to blame / Agreed my crime's the same / My sins I'll claim, give you back shed pain / Go find a place for own shame / So you can deal with this thing unreal / No one made you feel any hurt, yeah) Layne sabe que esta situación no puede continuar, pero aún cree. Cree en la bondad de ambos como hijos de Dios y en su redención de las cosas malas que han hecho juntos (Still believin / yet mistaken / all God's children, yeah). Una gran canción que viene desde el interior profundo de Layne.
Un encendedor suena. Se enciende la llama que comienza a hervir un líquido. Es una cuchara tal vez? Miseria en su máxima expresión. Es sabido que Layne padecía de una contradicción vital respecto a su relación con Dios. Por un lado el siempre creyó en la figura de Dios. Sin embargo con el correr de los años y a medida que crecía comenzó a cuestionar los Actos de Dios. ¿Cómo era posible que aquél Dios lleno de bondad con el cuál fue críado, permitiera las atrocidades y miserias que conocemos del mundo moderno? De eso trata “God Am”, una canción que cuenta con una alta carga dramática a través de guitarras disociadas que permiten a Layne ir “hablando” con Dios acerca de estos tópicos (Dear God, how have you been then? / I'm not fine, fuck pretending / All of this death your sending / Best throw some free heart mending / Invite you in my heart, then / When done, my sins forgiven?/ This God of mine relaxes / World dies I still pay taxes) Es una canción acerca de la impotencia del ser humano respecto a la incapacidad de actuar de Un Dios que “todo lo puede” como a la mayoría de nosotros nos ha sido enseñado. Layne hace un juego de palabras en el coro entre God Am y “Goddamn” (maldito) que no requiere mayor explicación. Una gran canción que mereció haber sido un single y video en mi modesta opinión.